Para começar, tenho a dizer-vos que não devem completar os
dedos das duas mãos, as vezes que eu e a Academia de Hollywood estivemos de
acordo, mas agora, em dois anos consecutivos, na busca desesperada pelo
politicamente correcto, o senhor Óscar deixou-me desarmado, ao premiar um sul
coreano e uma chinesa, não conseguindo discordar que eram dos melhores filmes
desse ano.
Em 2017, com “The Rider”, Chloé Zhao já nos tinha dado uma
amostra do que seria capaz, mas é com “Nomadland” e com a ajuda de Frances
McDormand – uma das actrizes por quem eu tenho mais respeito e admiração, só
para que conste -, que nos leva ao
paraíso. E aquele “fazer as pazes” inicial é uma metáfora perfeita para este
filme, que nos fala precisamente de alguém na busca de fazer as pazes, consigo,
com o passado e, como mote principal do filme, com a América que não vemos nas
grandes produções de Hollywood.
Durante a crise, a
viúva Fern (Frances McDormand) perde tudo, do marido à casa, passando pelo
emprego e pela pequena cidade onde vivia – que simplesmente desaparece do mapa
-, iniciando uma viagem nómada de caravana – mais uma carrinha adaptada, para
ser preciso – a quem chama de “Vangard”. Sem casa – diferente de “sem abrigo”
-, Fern penetra num território de vagabundos, inadaptados, descrentes, numa
viagem que a faz (re)pensar o passado e (quem sabe?) projectar o futuro.
Chloé Zhao funciona aqui muito mais como documentarista que
como realizadora, fazendo um filme gentil, por um lado, mas profundamente
intrigante por outro, e a performance de Frances McDormand - compondo um
personagem tanto solitário como solidário, deprimido mas obcessivamente
optimista -, podendo não ser a melhor da sua carreira, não deve andar lá muito
longe, mesmo que não nos saia da cabeça
a Marge de “Fargo” ou a Mildred de “Três Cartazes à Beira da Estrada”.
Vamos aqui deixar de fora o livro de Jessica Burder “Nomadland:
sobreviver na América do século XXI”, que não li e nem sabia que existia até
ver este filme, mas o certo é que podemos encontrar referências implícitas nesta
obra de Chloé Zhao, de “Uma História Simples” de David Lynch a “Alice nas
Cidades” de Wim Wenders, ambos sobre personagens à procura de fazer as pazes
com o passado ou com pessoas que deixaram para trás.
Isto que não nos desvie a atenção do que “Nomadland” tem de
melhor e mais original: uma misteriosa ficção documental sobre uma América
desconhecida, povoada por personagens consumidos por percas profundas e
incompatibilidades impossíveis de conciliar com um quotidiano comum, mas, ao
mesmo tempo, sobre uma estrada aberta para o futuro, ao volante duma carrinha
chamada “Vangard”.
“Portrait de la jeune fille en feu” é para aquelas pessoas
que gostam de não saber tudo, ou melhor, que gostam que não lhes digam tudo e
descobrir o sabor da fruta por sua própria iniciativa. Nesse sentido, Céline
Sciamma revela-se uma verdadeira manipuladora – no significado mais lato do
termo: manipuladora das imagens, manipuladora dos actores e, acima de tudo,
manipuladora dos espectadores.
Tudo neste filme é arte, a começar pelo tema central – não confundir
com “principal” -,mise-en-scène, o
cuidado com cada imagem, cada expressão, num conjunto filmado com uma
sensibilidade nitidamente feminina – em minha opinião, nenhum homem poderia filmar
este filme desta maneira e não é uma crítica, é a constatação de um facto.
O que se diz em “Portrait de la jeunne fille en feu” está
muito mais nos olhos que no discurso e Céline Sciamma não tem pudor em expor as
expressões, os olhares, de onde vão emergindo as emoções, que envolvem o
espectador como o vento forte na praia. A escolha da cor de um vestido,
torna-se o prelúdio de algo que pode explodir como a corrida para a beira do
abismo.
Uma condessa (Valeria Gondino) pretende o retrato da filha Héloise
(Adèle Haenel) e para isso contrata os serviços da pintora Marianne (Noémie
Merlant). Só que Héloise não quer ser pintada, porque sabe que o quadro é uma
oferta ao homem com quem tem de casar e que ela não pretende, nem sequer
conhece.
O que pode parecer uma história vulgar do século XVIII,
transforma-se, pela câmara da realizadora como pelas interpretações dos actores
- todos os actores, note-se - , num exercício
subtil de beleza, que explode no ecrã em cada fotograma, deixando os
espectadores sem respiração.
Como devem calcular, durante estes confinamentos pandémicos,
muitos filmes já passaram pelo meu DVD. Não tenho a menor dúvida que este deve
ter sido um dos melhores. Resta-me acrescentar que a Academia de Hollywood
devia estar a dormir, quando deixou para trás “Portrait de la jeunne fille en
feu” – considerando que nem nomeado estava para “filme estrangeiro”!
Qualquer cinéfilo que leia esta crónica, vai estranhar algumas ausência e algumas inclusões. Mas tal como na crónica anterior, onde o conceito de "musical" foi muito alargado, também aqui o conceito de "mistério" foi muito alargado, e por isso se incluíram comédias, ficção-científica, filme negro, suspense.
Qualquer crónica deste género, será sempre uma escolha pessoal e esta é a minha, não porque sejam "os melhores", mas porque serão os mais divertidos neste momento. De qualquer maneira, para fazer o que já foi feito, não vale a pena meter as teclas ao trabalho, não é?
“Frenzy” é o primeiro filme inglês de Hitchcock,
depois de ter ido para Hollywood em 1939 – onde frabricou os seus grandes
clássicos. Este filme tem uma particularidade: é um único filme do realizador
que contêm nudez explicita.
Alfred Hitchcock tem cerca de 60 filmes na carreira
e, pelo menos, aí uma dezena são considerados obras-primas do cinema. “Frenzy”
não é um deles, mas tem lá tudo: o humor negro, horror, suspense... E o
principio de uma tradição que vai criar psicopatas assassinos e senhoras em
perigo, estranguladas sem dó nem piedade.
Mais do
que ser um filme de Roman Polanski, “Chinatown” é um filme de Jack Nicholson e
Faye Dunaway. Tudo o resto é secundário.
Quando o detective J. J. Gittes (Jack
Nicholson) aceitou expor o adultério da fascinante Evelyn Mulwray (Faye
Dunaway), não fazia a mais pequena ideia da espiral de crime e mistério em que
se ia meter. Mas enquanto ele resvala para o abismo do inferno, nós,
espectadores, deleitamos-nos de prazer cinéfilo.
“Capricorn One” deve ser o pai de todas as teorias da conspiração, antes
de haver teorias da conspiração. É, ao mesmo tempo, um thriller magistralmente
filmado por Peter Hyams – que viria mais tarde a filmar “2010: O Ano do
Contacto”.
Se são aquele género de pessoas que gostam de inventar histórias
sobre a História, “Capricorn One” é o filme perfeito, para além de ser um
excelente thriller, com ritmo, suspense, perigo ao virar da esquina.
Por puro preconceito, “Blow Out” é colocado de lado pela maioria
dos cinéfilos. Preconceito acerca de Brian de Palma – que, sejamos sinceros,
nunca foi levado muito a sério – e preconceito acerca de John Travolta – que
nunca se libertou do cliché do dancarino “disco”.
Jack (John Travolta) é um
técnico de som e enquanto anda a captar sons aleatórios, assiste a um acidente,
onde consegue salvar Sally (Nancy Allen), Só que na audição da fita, vão
aparecer segredos que não deviam ser revelados e as peças do mistério vão-se
juntando a pouco e pouco, mantendo o espectador tão surpreendido como Jack.
“Desperatly
Seeking Susan” tanto pode ser uma comédia como um filme de troca de identidades.
Com um emaranhado de desentendidos, Madonna faz de Madonna (com o nome “Susan”),
Rosanna Arquette é Roberta Glass, a entediada esposa dos subúrbios, fascinada
pela rebelde sem causa, Aidan Quinn é Dez, o namorado perdido. e Mark Blum é
Gary Glass, o marido confuso que não percebe nada do de está a acontecer. Entre
os quatro vai desenvolver-se uma sucessão de trocas e confusões, que irão
alterar de forma radical as suas vidas.
Pelo meio, há um blusão e criminosos à
procura dele e de quem o usar.
Sob
pena de estragar o melhor que este filme tem (a surpresa e o medo, muito medo),
pouca coisa se pode adiantar sobre “Spoorloos” – a não ser que não vale mesmo a
pena verem o remake hollywoodesco, que dá pelo nome de “The Vanishing”.
O final
vai deixar-vos com pesadelos por muitas noites.
Como li algures, há 2 regras
para ver este filme – para além da anterior, de esquecerem a péssima adaptação
americana: a primeira, é não verem este filme, se forem pessoas facilmente
impressionáveis; a segunda, não saberem nada sobre o que vão encontrar.
Para
mim, é um dos melhores thrillers de todos os tempos, certamente um Top10. Dito
isto, estão por vossa conta e risco.
Para além
duna das mais sexy cenas de Hollywood, que mete argila e a música “UnchainedMelody” dos Righteous Brothers, “Ghost” vai passando duma comédia romântica para
um filme de crime, sem que o espectador perca o sentido amoroso da história.
Uma
Demi Moore absolutamente arrasadora e um Patrick Swayze de partir corações, que
se juntam ao melhor que Woopi Goldberg alguma vez conseguiu, fazem o resto, para
além dum Jerry Zucker com um sentido exemplar de ritmo e de narrativa.
“Ghost” é
o thriller perfeito: os maus são castigados e os bons ficam felizes para sempre.
O que se quer mais?
“Bound” não é para meninos. É um filme intenso, sobre
violência e sexo. E tem de ambos. Com 2 milhões de dólares pelo meio.
As irmãs
Lana e Lilly Wachowski não se poupam a esforços, enquanto magicam nas suas
cabeças o inexcedível “Matrix”, que há-de ver a luz 3 anos depois.
Com um
orçamento reduzido, locais escolhidos a dedo para não arrasar a tesouraria,
“Bound” tem tudo dum policial de série “B”, mas com bónus: duas mulheres-fatais
em vez de uma - Jennifer Tilly (Violet, a esposa traidora) e Gina Gershon
(Corky, a ex-condenada), que arrasam de sexualidade e malvadez.
“Bound” subiu
nas tabelas devido a “Matrix”, mas merece uma espreitadela independente.
Vamos já esclarecer duas coisas: Jodie
Foster é uma das minhas actrizes preferidas – senão “a” minha actriz preferida -
e não me lembro de não gostar de nada que vi de Neil Jordan – sem qualquer
pretensão de ter visto tudo.
Agora, que já não me podem acusar de nada, vamos a
“The Brave One”, que tanto é uma história de vingança, como uma história de
descoberta pessoal. Embora emocionalmente destruída pelo assassínio do noivo –
consequência do qual, ela própria fica em coma por 3 meses -, é com o tenente
Mercer (Terrence Howard) que a luctora de rádio Erica Bain (Jodie Foster) vai
estabelecer uma relação de proximidade.
Não há aqui segredos: o primeiro,
investiga os crimes que a segunda comete. O espectador sabe, a assassina sabe, e
Mercer vai sabendo a pouco e pouco. Mas o facto de não haver segredos, não
significa que não haja mistério.
Talvez alguns acusem o filme de ter um final
demasiado apressado – para dizer o mínimo – em relação às expectativas que vai
criando durante as duas horas que dura. Aceito. Mas – em minha opinião, note-se
-, isso é um problema que eu consigo encontrar em quase todos os filmes de Neil
Jordan. Já não é um defeito, é um feitio!
Já aqui falei de “Bokeh” e não vou adiantar muito mais. Muitos perguntar-se-ão, o que faz aqui um
filme que tanto pode ser um romance, como um filme de ficção-científica, ou
nenhum dos dois.
O que “Bokeh” tem mais, é mistério. Se sabemos “onde”, não
sabemos “quando”, nem “porquê”. No fundo, não sabemos nada. Como todo o filme
parece ser sobre nada. E, como diria Pascal, “porque é que tem de haver algo, se o nada é o mais fácil”, não é?
Eu tenho paixões de estimação: Woody Allen, Alfred
Hitchcock, Francis For Coppola... Umas mais consensuais que outras, mas os
grandes amores são assim mesmo, com altos e baixos. Quentin Tarantino é uma
delas e deve ser a única de que realmente gosto de tudo.
Na adolescência, Quentin Tarantino foi empregado num videoclube,
onde consumiu cinema como um drogado consome heroína, exultou com os velhos
westerns americanos e os velhos filmes de karaté chineses, os velhos mistérios
da série “B” e os velhos gore, com sangue e miolos a escorrer pelas paredes.
Tudo isso levou para os seus próprios filmes, juntamente com uma forma única de
contar histórias, com a temporalidade alterada e uma violência atroz.
Em 1993 escreveu o argumento de “True Romance” (Amor À
Queima-Roupa) , filmado por Tony Scott, e em 1994 escreveu o de “Nutural Born
Killers” (Assassinos Natos), filmado por Oliver Stone, mas não ficou nada
satisfeito com o resultado. Conseguiu financiamento para o seu primeiro
projecto, numa noite de copos com Harvey Keitel, que se veio a tornar um dos
seus talismãs.
Diz-se que Quentin Tarantino afirmou, no inicio da sua
carreira, que faria apenas 10 filmes. Falta um!
“Reservoir Dogs” é o principio da nossa história, mas é uma
história que parece não ter principio. Um grupo de homens – completamente
desconhecidos entre si e que se tratam apenas pelo nome de cores (Castanho,
Azul, Branco, etc.) – planeiam um assalto que corre mal, criando entre eles a
suspeita duma traição.
A tentar revelar o responsável pelo fracasso da acção,
desencadeia-se uma onda de violência de tal forma brutal, que um armazém
algures na cidade, se transforma num mar de sangue e carne humana trucidada. É
o principio de um dos fetiches de Tarantino, que se há-de repetir em todos (ou
quase, se bem me lembro) os seus filmes: uma cena em que todos apontam uma arma
a todos.
Pode dizer-se que, para Quentin Tarantino, foi “tiro e
queda”, proporcionando-lhe uma ascensão meteórica no meio cinematográfico.
Segundo os sites especializados, custou pouco mais de 1 milhão de dólares e
rendeu quase 3 milhões. A indústria de Hollywood nunca mais olhou para os
independentes da mesma maneira.
Vai ficar na memória por muitas cenas icónicas – seria
preciso só uma crónica para as nomear -, mas “Pulp Fiction” é muito mais que
isso e a geração adolescente em ’94, nunca imaginará que aquele Vicent Vega,
que no genérico aparece como John Travolta, tinha sido o deus da dança 30 anos
atrás, deixando as meninas de cabeça à roda.
Em “Pulp Fiction” Tarantino usa e abusa da recuperação de
velhos hits musicais, peças escondidas (e esquecidas) nos baús dos pais e avós.
Já em “Reservoir Dogs” isso acontecia, mas é aqui que mais se nota, uma vez que
a música é um elemento de importância fundamental no filme. Atingirá a
perfeição em “Kill Bill”, mas é neste momento que salta à vista – ou, se
quiserem, ao ouvido.
E depois temos Uma Thurman, a Mia Wallace cujo marido matava
por causa duma massagem nos pés. Sexy, provocante, rebelde, a viciada em
cocaína mais bela que o cinema nos apresentou. Mas temos mais: a Maria de
Medeiros especialista em sexo oral, o Bruce Willis tão duro como qualquer McClane
perdido num arranha-céus, o Samuel L. Jackson imune às balas…
Este filme é uma obra prima narrativa, irónica, mordaz e
violenta – explicita e implícita. O filme duma vida. Se querem aprender como se
deve filmar uma cena de consumo de droga injectável, “Pulp Fiction” é o vosso
livro de estudo.
1997 JACKIE BROWN – Quem quer ser assistente de bordo?
Depois de “Pulp Fiction”, nada seria como dantes. “Jackie
Brown” sofre do defeito da antecipação, à qual Tarantino não foi imune. Tudo o
que fez dos dois filmes anteriores obras notáveis, continua aqui, mas este
funciona mais como uma pacificação consigo próprio e menos como uma intenção de
impressionar os outros.
Tem o melhor de Smuel L. Jackson, que ainda voltaria a
Quentin Tarantino mais vezes, e de Pam Grier, não desperdiça nada de Michael
Keaton – já com o Batman de Tim Burton digerido -nem de Bridget Fonda, nem de Robert De Niro.
“Jackie Brown” há-de ser o mal-amado, quando, vendo bem, tem tudo o que se
espera do realizador.
Se a história fosse simples, não seria um Tarantino, mas
resumidamente, Jackie Brown é uma assistente de bordo que trafica droga para um
mafioso. Quando é apanhada, aceita participar num esquema policial para prender
o traficante, só que a intenção e a concretização estão separadas por um
abismo, que mete meio-milhão de dólares no meio.
“Jackie Brown” pode não ter a exuberância de “Reservoir
Dogs” ou “Pulp Fiction”, mas merece toda a atenção e, no final, não ficam
dúvidas que é um filme de Quentin Tarantino.
2003/2004 KILL BILL Vol, I e Vol. II – Pussy Wagon em forma de samurai
Kill Bill - A Vingança: Créditos completos VOL. 1 e VOL. 2
“Kill Bill” é um projecto que começou entre Quentin
Tarantino a Uma Thurman, durante as filmagens de “Pulp Fiction” e é, acima de
tudo, uma homenagem aos filmes de karaté, que o realizador consumia em doses
industriais, quando trabalhava no videoclube da adolescência. Para além do
karaté e de violência até à exaustão, tem uma noiva, que deve ser o samurai
mais sexy da história do cinema.
Não se pense que “Kill Bill” se limita a prestar vassalagem
a Uma Thurman. Se ela faz o papel que tem de fazer, Quentin Tarantino não deixa
de fazer o seu.
Muitas cenas de luta remetem para o primeiro “Matrix” – que,
afinal, criou o paradigma dos combates de artes-marciais a partir do final dos
anos ’90 do século passado -, mas se há coisa que Tarantino nunca se preocupou,
foi em copiar quem tem de copiar. Essa é, no fundo, uma das principais
características dos seus filmes: reinventar tudo o que já foi feito.
“Kill Bill” levou cerca de meia-década a marinar, para
acabar numas 5 horas de cortar a respiração, com cabeças pelo ar a esguichar
sangue, lutas sem quartel onde entram pistolas, facas, katanas de samurai,
cobras venenosas… E cereais de pequeno almoço… E cultura retro, ao ponto de ter
ido, sabe-se lá onde, recuperar “Bang Bang (He Shot Me Down)” de Nanci Sinatra,
para juntar ao ex-kung-fu da TV dos ’70, David Carradine.
Depois da pausa introspectiva de “Jackie Brown”, Quentin
Tarantino regressa em todo o seu explendor.
2007 DEATH PROOF (À PROVA DE MORTE) – Tarantino goza com
Tarantino
A primeira londa-metragem de Steven Spielberg data de 1974, chama-se
“Asfalto Quente” (“The Sugarland Express”) e é vagamente sobre um psicopata ao
volante. Pode parecer que não tem nada a ver com Quentin Tarantino, mas é só
para vos dizer que tem tudo a ver com “Death Proof”, porque em Tarantino nada é
verdadeiramente original e é no gozo que ele tem em baralhar e dar de novo, que
reside a sua originalidade.
Kurt Russel (Mike, o duplo) tem o volante nas mãos – literal
e figurativamente – e deixa-se levar num carro “à prova de morte”, perseguindo
duas meninas assustadas (Zoë Bell a fazer de si própria e Traci Thoms no papel
de Kim). Só que as senhoras decidem ripostar e a coisa não acaba como Mike
tinha previsto.
“Death Proof” funciona um pouco ao contrário, já que o
climax é muito mais lento que o inicio. Mas não se iludam, que tem pedalada que
chegue, é precisamente o meio que parece funcionar como um bocado de cola à
pressa, para juntar duas histórias, que Tarantino quer, à força, transformar
num só filme.
Em minha opinião, “Death Proof” daria uma curta de cortar a
respiração, mas Quentin Tarantino devia ter um contrato a cumprir, pelo que,
decidiu pegar nuns papeis que tinha lá na gaveta e fez um filme. Não é o melhor
que se poderia esperar do realizador, mas não esperam pela demora!
Se Indiana Jones odeia nazis, é Quentin Tarantino que leva
esse sentimento às últimas consequências, transformando heróis de guerra em
sacanas impiedosos. Se “Pulp Fiction” é o filme mais exuberante, este “Inglorious
Basterds” deve ser o filme que eu gosto mais. Não que isso seja uma opinião
definitiva.
Durante este filme, muitos irão lembrar-se de “Alô Alô”, a
fantástica série que a BBC produziu para a televisão nos anos 80, não só porque “Inglorious Basterds” é
passado na França ocupada, mas também porque há obvias semelhanças - intencionais
ou não - entre Shosanna Dreyfus (interpretada por Mélanie Laurent) e Yvette
Carte-Blanche (interpretada na série por Vicki Michelle) ou entre o Coronel
Hans Landa (Christoph Waltz) e Herr Otto Flick (interpretado na série por
Richard Gibson). Mas há mais…
Como todos os filmes de Quentin Tarantino, “Inglorious Basterds”
não foge à regra duma segunda ou terceira visualização, tal é a quantidade de elementos
e de referências em cada cena, de piadas irónicas e subtilezas que se desenrolam à nossa frente.
E se “em tempo de guerra, não se limpam armas”, todas as atrocidades são
desculpáveis, principalmente praticadas pelos “bons” da fita.
2012 DJANGO UNCHAINED (DJANGO LIBERTADO) –A casa que escorria sangue
“Django Unchained” tem um dos finais mais gloriosos de toda
a história do cinema. Uma cena de tiroteio entre cow-boys, que põe, literalmente,
uma casa a escorrer sangue.
Pessoalmente, eu nunca fui muito de filmes do farwest, mas
este Tarantino enche-me as medidas. Tem tando dos western-spaghetti – muito mais
próximo de “Trinitá, cowboy insolente” – como dos velhos clássicos americanos;
tem tanto de Sergio Leone ou Romón Torrado, como de John Ford ou Howard Hawks.
É “Bonanza” e “Johnny Guitar” ao mesmo tempo.
Nesta altura, já as grandes vedetas solicitavam um papel nos
filmes deste realizador e Quentin Tarantino está nas sete-quintas, pondo e
dispondo as peças a seu belo prazer, mas quem brilha é Jamie Foxx como Django,
o negro libertado da escravatura, que não olha a meios para encontrar a mulher
que ama, empreitada para a qual conta com a (preciosa) ajuda do alemão ex-dentista
e agora caçador de prémios Schultz (Christoph Waltz – sim, o nazi implacável de
“Sacanas Sem Lei”!) .
Há quem acuse “Django Unchained” de parecer um pouco “descuidado”,
como se Tarantino se sentisse tão confiante, que soubesse de antemão que não
falharia. Mas, na minha opinião, é precisamente esse “desprendimento” que liberta
toda a ironia que paira sobre o filme. Sem ela, tornar-se-ia duma violência
isopurtável.
Depois de provar o saber do western, Quentin Tarantino não
larga o prazer duma segunda doze. Menos esplendoroso – digo eu -, bastante comedido,
“The Haiteful Eight” é muito mais um thriller de mistério numa casa fechada - muito
ao jeito de Agatha Christie - e o facto de se passar no tempo dos cowboys é
secundário.
Quentin Tarantino já ensaiara algo parecido com um filme
passado dentro de uma sala, quando, em 1996, tinha ajudado Robert Kurtzman a
escrever o argumento de “Aberto Até de Madrugada” de Robert Rodriguez, onde,
aliás, desempenha um dos papeis centrais – se assim se pode chamar -, embora
seja completamente engolido por George Clooney, Juliette Lewis ou Salma Hayek.
“The Hateful Eight” é, talvez, o mais óbvio “exercício de
estilo” de Tarantino, mas isso não impede Jennifer Jason Leigh (Daisy Domergue,
a condenada à forca) de brilhar mais alto, numa sala repleta de homens feios,
porcos e maus, presos numa estalagem, no meio duma tempestade de neve.
No dia 9 de Agosto de 1969, Sharon Tate, esposa
de Roman Polanski, grávida de 9 meses, foi brutalmente assassinada na sua casa
em Hollywood, por Charles Manson e a sua seita de hippies fanáticos.
…Mas, se calhar, isto não tem nada a ver!...)
Consumidor desenfreado de cinema, todos os filmes de
Tarantino têm referências a outras obras. O principal problema de “Once Upon A
Time… In Hollywood” é que essas referência são tão explicitas, que metade das
piadas se perdem para quem não possua uma vasta cultura cinéfila.
Em “Oce Opon A Time… In Hollywood”, Quentin Tarantino dá
largas à sua adição e recupera todos os heróis que viu passar nos ecrãs quando
era adolescente, de Steve McQueen a John Wane. À primeira vista, Leonardo Di
Caprio (Rick Dalton – sim, como os irmãos Dalton de Lucky Luke!...) e Brad Pitt
(Cliff Booth) são os actores principais, mas, na verdade, pode-se dizer que
tudo gira à volta de Margot Robbie (Sharon Tate), a vizinha do lado.
“Once Upon A Time… In Hollywood” tem tudo o que gostamos no
cinema: de lança-chamas a mulheres sexy, de comida para cães a LSD. Atrevo-me a
dizer que é as portas do Paraíso para qualquer cinéfilo e o próprio Paraíso,
para quem perceber todas as piadas implícitas. E depois, se Uma Thurman arrasa
em “Kill Bill”, Margaret Qualley (Pussycat) não lhe fica nada atrás aqui!
