SABOREAR DEVAGAR

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"Automata" não é para quem tem pressas, tem de ser saboreado devagar, como aqueles caramelos que se vão derretendo na boca a pouco e pouco, residindo precisamente aí o supremo do divertimento. Sem que a história seja particularmente original, vive dum argumento consistente, que se vai desenrolando em crescendo, duma realização segura, mesmo que vinda das mãos de um quase novato, e de várias interpretações brilhantes, com Antonio Banderas á cabeça, num daqueles papeis "à Almodóvar", onde a exuberância é secundária, mas a consistência é fundamental.

Passado num ambiente pós-apocalíptico muito próximo de "Blade Runner", "Automata" conta a história da descida ao inferno de Jacq Vaucan (Antonio Banderas), perito de seguros, especializado em robôs que violam o protocolo de não se poderem alterar a si próprios. O estranho caso de um policia que abateu uma das máquinas, alegando que ela se estava a auto-modificar, vai levar o investigador descobrir segredos que deviam ficar ocultos.

Se têm filhos pequenos e gostaram da animação "Wall-E", podem encarar este "Automata" como a versão para adultos do filme da Pixar, só que mais negro, deprimente e duma violência de cortar a respiração, não apenas visual mas - e principalmente - pressentida. Jacq Vaucan está emocionalmente à beira do abismo quando a aventura começa e, de repente, arrasta consigo toda a plateia que fica a pairar no "nada" e em queda livre para as labaredas do Hades.

Escrito por três (quase) desconhecidos, o realizador Gabe Ibáñez, juntamente com Igor Legarreta e Javier Donate, "Automata" podia ter seguido o caminho mais fácil, mas apesar de todas as referências óbvias, decidiu que uma história deve contar-se ao seu ritmo próprio e que todos os pormenores contam. Por isso desenrola-se à sua velocidade muito particular, demorando o tempo que é necessário, sem pressas e sem acelerações. É como é e como tem de ser ou, como diria o ditador António Oliveira Salazar: "está bem assim e não podia ser de outra maneira".

Não restam dúvidas que existem aqui inúmeras incursões a outros elementos conhecidos: Isaac Asimov, Philip K. Dick e "Blade Runner", até mesmo Spielberg e o seu "AI", no entanto nada disso altera um milímetro da consistência e do brilhantismo de "Automata", basta que o espectador deixe o filme derreter-se devagar, se deixe arrastar para o abismo e, quando estiver mesmo à beira do precipício, decida saltar. É a queda no vazio da própria existência.

DIFERENÇAS DE OPINIÃO

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A produção da Netflix, apesar do seu cariz de entretenimento puro, tem-nos brindado com algumas obras bem interessantes - e lembro-me apenas do surpreendente "iBoy" ou da série televisiva "Por 13 Razões". Além disso, este "Mute" vem das mãos do realizador Duncan Jones, que já tinha feito "Moon" ou "O Código Base", portanto todas as expectativas eram legitimas.

Deixem-me já avisar que, à saída do cinema, as opiniões eram contraditórias: entre os que gostaram muito e os que saíram indiferentes. Eu estou nos segundos. O filme tem ares de ficção cientifica, passado numa Berlim de 2050 entalada entre o Leste e o Oeste, guardada por militares americanos que desertam do exército. No entanto, na verdade, também pode ser o romance entre Leo (Alexander Skarsgard / Levi Eisenblätter) e Naadirah (Seyneb Saleh).

Esta dualidade acaba por fazer o filme saltar entre histórias (aparentemente) sem relação, quebrando ritmos, dispersando a atenção do espectador e desinteressando a plateia, obrigando a concentração saltar entre assuntos, muitas vezes com pontas soltas. A(s) história(s) acaba(m) por não levar a lado nenhum e mesmo que o filme tenha um final - no sentido tradicional do termo -, ele deixa um simples sabor a vazio.

Por um lado temos Leo, barman mudo num bar de streep-tease, apaixonado pela empregada Naadirah que desaparece misteriosamente, obrigando-o a iniciar uma busca desesperada, percorrendo os meandros mafiosos duma Berlim de becos escuros e perigosos; por outro lado, temos Cactus Bill (Paul Rudd), desertor do exercito americano, que procura abandonar a cidade com a filha, pelo que aguarda ansioso por documentos falsos, cujo fabrico está a cargo do chefe do submundo.

Se ambas as histórias parecem interessantes e dariam pano para mangas, assim misturadas durante quase duas horas acabam por criar uma salada de sabores antagónicos. Se todos os elementos em separado podem fazer sentido, misturados perdem as propriedades próprias e o resultado final é um novelo emaranhado. Se o resultado final de "Mute" fosse outro, seria o exemplo perfeito da máquina da Netflix a funcionar na sua plenitude, exactamente para aquilo que foi criada. Mas não, um grão de areia empenou a engrenagem.

Os muros (já que estamos em Berlim) de reviravoltas forçadas, golpes de rins inexplicáveis e assuntos paralelos sem interesse directo, criam uma barreira de desinteresse por cada um dos temas centrais. Apesar duma banda sonora exemplar (como é hábito na Netflix e que vai de J:Mors a Nick Kershaw ou de Mr. Fuzz a David Bowie), "Mute" é uma sinfonia desafinada, não propriamente mal tocada, mas confusa.

Como disse um amigo meu, "Mute" é muito "bah!", no que foi contrariado por outro amigo que o achou "realmente interessante". Aparentemente aleatório no seu emaranhado, o filme acaba por tocar diferentes sensibilidades. A mim, pessoalmente, não despertou nada de especial, para além da curiosidade de saber como tudo aquilo ia acabar. E mesmo isso, deixou-me num vazio sem sentido. Mas é só uma opinião!

MESTRIA NARRATIVA

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Brilhante, concreto e exemplar. "The Post" até pode parecer mais um duma longa tradição cinematográfica, em que o tema é o jornalismo, os jornalistas e as notícias, só que desta vez está nas mão de três monstros sagrados de Hollywood: Steven Spielberg, Tom Hanks e Maryl Streep. Parecendo que não, isto faz toda a diferença no produto final e o filme sai devidamente valorizado.

Não é de todo descabida a comparação que se vive no momento actual, com as sucessivas tentativas de desacreditação da imprensa por parte de dirigentes políticos. O jornalismo e os jornalistas mexem multidões, formas opiniões, influenciam as massas e isso é um poder que faz tremar as esferas onde se movem os candidatos. "The Post", embora passado nos anos 70, tem tudo a ver com a nossa época, tem tudo a ver com todas as épocas.

Kay Graham (Maryl Streep) foi a primeira mulher proprietária de um jornal, neste caso o The Washington Post, que, de repente, se vê envolvida numa guerra editorial com o seu concorrente The New York Times, envolvendo documentos secretos sobre a guerra do Vietname. Mais uma vez, o que salta à vista logo de imediato, é a capacidade da actriz de recriar grandes mulheres - coisa que já sabíamos com a composição de Margaret Thatcher em "A Dama de Ferro", mas que aqui repete de forma absolutamente brilhante.

À superficie, "The Post" é um thriller político, baseado em factos verídicos, na sequência - ou melhor, na antecipação - da obra-prima de Alan J. Pakula, "Os Homens do Presidente". Mas na realidade, é sobre as notícias que o poder não quer que sejam publicadas, aquelas noticias que realmente importa para a opinião publica e que têm influencia quando se trata de colocar os votos na ranhura da urna.

Steven Spielberg não se faz rogado e vai buscar para argumentistas Liz Hannah e Josh Singer - que, em conjunto ou separado, têm nas mãos vários episódios da série "Fringe" ou outro filme sobre jornalismo de investigação: "O Caso Spotlight". Todo este conjunto de actores de eleição, um realizador sóbrio e um argumento de qualidade, transformam "The Post" num momento de cinema único e absolutamente excepcional.

Só para terminar, "The Post" é também um filme feminista, no sentido em que conta a história duma mulher que assume de forma decisiva o papel de um homem, na direcção e orientação de um negócio - sim, porque um jornal não deixa de ser um negócio. Numa época em que as mulheres eram vistas como donas de casa pela generalidade da sociedade, incluindo elas próprias, Kay Graham assume o papel de líder contra a desconfiança e o preconceito.

Maryl Streep, Tom Hanks e Steven Spielberg, só podia funcionar bem, nem que fosse a filmagem de uma ida ao supermercado. O nível técnico e a mestria narrativa do realizador, juntam-se aqui a desempenhos exemplares e esmagadores. Tal como os seus protagonistas, "The Post" é um filme corajoso e motivador.

HONESTIDADE MULTI-CULTURAL

Expresso do Amanhã: CRÉDITOS COMPLETOS

"Snowpiercer" carrega na bagagem a novela de BD "Le Transperceneige" de Lob, Rochette e Legrand, o director sul-coreano Bong Joon-ho - conhecido por "The Host" -, referências explicitas a "Elyseum" e "District 9" e, finalmente, uma elenco multi cultural, que inclui o "Capitão América" Chris Evans, passa pela estrela asiática Song Kang-ho, a quem se juntam vários ingleses com Tilda Swinton em destaque.

O que esperar, então, de tamanho cocktail? É a pergunta que muitos farão neste ponto. E eu posso assegurar que "Snowpiercer" segura todas as pontas com brilhantismo, mesmo que, em determinadas alturas, os espectadores mais atentos tenham a natural reacção tipo "eu já vi isto!..." Bong Joon-ho dirige de forma segura um filme que mantém o ritmo e o interesse do principio ao fim, sem que para isso tenha realizado uma obra-prima para a posteridade.

Na raiz do argumento, está a eterna luta de classes e as desigualdades sociais. Mas partindo desse ponto mais que visto, o filme desenvolve-se num ambiente claustrofóbico e tenso, sempre com momentos de acção e tensão. É uma daquelas obras que mantém a plateia presa ao ecrã sem dificuldade, com várias interpretações de excelência e uma montagem que acaba por surpreender, já que vem orientada por um mestre em flops, Harvey Weinstein.

Depois duma tentativa falhada para inverter o aquecimento global, o planeta fica gelado e sem vida. Os poucos sobreviventes habitam um comboio sempre em movimento, que está dividido entre as carruagens da frente, onde vivem os mais ricos, e as carruagens de trás, onde vivem os mais pobres, alimentados a barras gelatinosas de proteína. E embora muitos possam torcer o nariz a esta descrição sumária, a verdade é que o filme vive de forma exemplar dum grotesco pós-apocalíptico, que faria inveja ao próprio Philip K. Dick.

Tilda Swinton dá lições de interpretação - representado o que poderia ser uma Margarete Thatcher de ficção cientifica -, seguida de todo o elenco em grande esplendor. Na sua raiz mais profunda, "Snowpiercer" é apenas um filme sobre a luta entre bons e maus - aqui representados por pobres e ricos -, mas na verdade é um belo entretenimento, que vale a pena ser visto de olhos bem abertos.

Se a forma como toda esta metáfora funciona não é original nem surpreendente, o filme vai buscar a sua força a um design apelativo, a um ritmo muito bem gerido  e a uma honestidade inquestionável - da parte de todos os intervenientes, desde o realizador aos actores e técnicos. Enquanto a Primavera não desponta e o frio e a chuva continuam a massacrar-nos, "Snowpiercer" é uma bela desculpa para enfiar as pantufas e ficar em casa em frente ao ecrã.

VEZES ZERO, IGUAL A ZERO

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Eu não desgosto de Nicolas Cage. um actor muito subvalorizado e com mau gosto para escolher projectos, mas que tem no currículo algumas obras brilhantes como "Rumble Fish" ou "Morrer em Las Vegas"; também não desgosto de Robin Tunney, a bela Teresa Lisbon de "O Mentalista", actriz profícua em series de TV. Quanto ao realizador Tim Hunter - homem especializado em televisão -, não deixa de ser sempre uma incógnita quando se trata de longas metragens, mas que já dirigiu o desconcertante e injustamente ignorado "River's Edge".

Dito isto, resta acrescentar que "Looking Glass" é como uma multiplicação por zero: dá zero. É um filme que não tem sentido, não tem ritmo, não tem direcção. E embora não carregue nos ombros más interpretações, os actores estão ali como se não estivessem. A história está mais que vista - lembram-se de "Os Outros" de Alejandro Amenábar? -, mas neste caso e a multiplicar a isso, não tem ponta por onde se lhe pegue, não tem interesse, não tem suspense, é um resultado absolutamente nulo.

O casal Ray (Nicolas Cage) e Maggie (Robin Tunney) adquirem um motel no deserto, aonde acabam envolvidos em misteriosos acontecimentos, remanescentes de antigas ocorrências no local. Nada de novo, o que não impediu Nicole Kidman de arrasar em "Os Outros" ou o casal Kate Backinsale e Luke Wilson de assustar plateias em "O Motel". O problema de "Looking Glass" não é sequer a repetição, mas a ausência total de qualquer coisa.

Este filme desperdiça o talento do elenco num argumento completamente vazio, preenchido com os piores clichés do género, que vai repetindo cena após cena. A determinado ponto, parece que toda a plateia suspira de desespero, gritando em silêncio "mais não, mais não!...", tal é a saturação de zeros seguidos de zeros ad infinitum.

"Looking Glass" vem classificado um thriller psico-sexual. É uma mentira porque não tem nada que se possa comparar seja ao que for, para poder ser rotulado seja do que for. Na verdade "Looking Glass" é um mero desperdício de tempo para o espectador, para dizer o mínimo, principalmente para aqueles que gostam de thrillers, sejam eles psico-sexuais ou não. Quando o filme acaba, a plateia sai do cinema como uma simples multiplicação por zero: com um resultado igual a zero.

COMPETÊNCIA ENTRE INFANTILIDADES

Aniquilação: CRÉDITOS COMPLETOS

"Annihilation" é a segunda incursão de Alex Garland na realização, depois do surpreendente "Ex Machina", mas na realidade é apenas mais um na longa lista de adaptações de novelas, coisa que ele sabe fazer melhor que ninguém, como se percebe pelo fantástico "Nunca Me Deixes". Este é um daqueles filmes que vão deixar alguns espectadores sem saber o que pensar: tem tantas qualidades como defeitos, um conjunto agradável, formado a partir de pormenores às vezes desadequados.

A ver se me explico: começa por parecer um "teoria da conspiração", passa a piscar o olho a um "tiro neles", toma ares de ficção cientifica e acaba por ficar muito mais próximo de "Stalker" de Andrei Tarkovsky do que de qualquer outra coisa que já tenhamos visto até agora. Em certos momentos parece o "Predador" para intelectuais, noutros momentos é misterioso como "2001: Odisseia No Espaço". Tem tantos pozinhos do "Alien 2" de James Cameron como de "A Origem" de Christopher Nolan.

Apesar de muitos pormenores desadequados - como ter demasiadas metralhadores e diálogos por vezes infantis -, "Annihilation" é um filme que se segue com interesse, envolve um mistério que o espectador não deixa de querer resolver e é alimentado por um conjunto de interpretações que, não sendo brilhantes - ou, se quiserem, ficam aquém do que sabemos ser possível, porque já vimos noutras ocasiões -, não desiludem ninguém.

Um grupo de cientistas - numa expedição secreta - penetra numa "zona", na busca duma explicação para o mistério que a envolve, depois de vários grupos militares terem desaparecido em tentativas semelhantes. E embora o conjunto cientifico seja formado apenas por mulheres, este não é um filme feminino no sentido literal do termo, já que o género é indiferente para o desenrolar da acção.

"Annihilation" está longe de ser o melhor filme do mundo, mas entre mutações genéticas e animais sanguinários, Alex Garland vai construindo um filme misterioso, com ritmo e desenvoltura, que a plateia não tem qualquer dificuldade em seguir com interesse, mesmo que em certos momentos sorria por dentro com algumas infantilidades. Nestas tardes frias e tempestuosas, uma sala de cinema com obras como esta, parece o Paraíso.

A VIOLÊNCIA PODE SER UMA PIADA

Três Cartazes à Beira da Estrada: CRÉDITOS COMPLETOS

A imagem de Frances McDormand vai estar sempre colada à da policia Marge, que entre rios de sangue e selos de correio, soluciona o mistério de "Fargo", escrito e realizado pelo marido Joel Cohen e pelo cunhado Ethan Cohen - que, aliás, já a tinham dirigido noutra maravilha dos irmãos: "Sangue por Sangue".

E a imagem de "Fargo" nem sequer é inocente neste "Three Billboards Outside Ebbing, Missouri", nem o registo de Frances McDormand é assim tão diferente. Ambos são comédias negras duma violência atroz, embora no primeiro ela possa ser mais explicita que aqui, onde a tensão é latente, mais pressentida que visual. No entanto, ambos são aquele género de filmes em que o espectador se irá perguntar se esteve a ver um policial sanguinário ou uma comédia, quando, na verdade, esteve a ver ambos.

A filha de Mildred (Frances McDormand) é violada e assassinada - não necessariamente por esta ordem, segundo se dá a entender - e revoltada com a inoperacionalidade da policia local, a mãe decide colocar à beira da estrada de entrada na cidade, três outdoors de provocação às autoridades. Sendo uma localidade da América sulista profunda, com o seu conservadorismo e tradições enraizadas, esta acção vai provocar uma sucessão de acontecimentos trágico-cómicos, que levarão a consequências violentas e imprevisíveis.

Embora Frances McDormand seja a estrela maior da companhia, a verdade é que é auxiliada por um elenco de tal forma brilhante, que o filme se torna uma exibição de talento na arte de representar: Caleb Landry Jones (o filho), Woody Harrelson (o chefe da policia), Zeljko Ivanek (o sargento), todos eles formam um elenco exemplar, levando o realizador e argumentista Martin McDonagh ao êxtase.

Não se pode dizer que eu tenha entrado no cinema completamente às cegas para ver este filme, mas a verdade é que também não estava à espera de tal brilhantismo, no desenvolvimento do argumento, no requinte do humor negro, na tensão latente e num final onde a solução do crime é o menos importante, contrariando todos os clichés do género. O filme conjuga um aglomerado de elementos brilhantes, colocados em conjunto entre si de forma a fazer todo o sentido em conjunto.

Enquanto candidato aos Óscars da Academia de Hollywood, e colocado lado a lado com "A Forma da Água" - que, como sabem, adorei! -, podemos dizer de o júri tem um problema: ao contrário de outros anos em que há um nítido vencedor ou, por outro lado, não há nenhum que devesse ganhar, este ano estamos perante duas obras tão diferentes quanto brilhantes.

DO PRINCIPIO AO FIM

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Se é que alguma vez estreou no circuito comercial em Portugal, "El Cuerpo" deve ter passado logo para as prateleiras dos vídeoclubes, esquecido na secção de "terror" da série "B", onde deve ter ficado a ganhar pó. Um engano! Este é um excelente policial, interessante e carregado de mistério, que luta de forma brilhante com as armas que tem.

O corpo de Mayka  Villaverde (Belén Rueda), uma poderosa mulher de negócios, desaparece da morgue. O inspector Jaime Peña (Jose Coronado) e a sua equipa policial tentam perceber o como e o porquê do mistério: vingança contra a família? Tráfico de órgãos? Rituais satânicos?... E a partir daqui, o realizador Oriol Paulo dirige um filme de poucos recursos mas de muito esplendor.

Inteligente, bem interpretado, com uma cuidada produção, "El Cuerpo" agrada a todos os tipos de plateias que se interessem por mistérios policiais: haverá os que seguirão as pistas, tentando adivinhar a solução; haverá os que apenas se deixam ir na história sem preocupações. Ambos se irão divertir. Repleto de reviravoltas emocionantes - das quais a última é apenas a cereja no topo do bolo -, o filme é um belo passeio, às vezes em velocidade de cruzeiro, às vezes a alta rotação.

"El Cuerpo" é um daqueles thrillers que envolve o espectador do principio ao fim, envolvendo a sala numa maravilhosa tensão emocional, servido por um elenco muito competente, dirigido com mão de mestre e alimentado a diálogos bem escritos. Não deixando de ser um "série B", é acima de tudo um elogio à produção europeia de cinema de alta qualidade.

Não dispondo dos recursos hollywoodescos - que, em muitos casos, servem para vulgaridades medíocres -, "El Cuerpo" é um daqueles casos raros em que estamos perante uma obra interessante, que vão levar o espectador a sentir-se agradecido por ter entrado no cinema e naquela sala em particular. Mexe com a mente e satisfaz o corpo. Hurra!

TODOS OS ROMANCES DO MUNDO

A Forma da Água: CRÉDITOS COMPLETOS

Tenho a confessar que fui para "The Shape of Water" com muitos bons preconceitos. O primeiro deles, acerca de Guillermo del Toro, de quem sou um grande admirador, o pai de "Hellboy" e o director do gótico "Crimson Peak"; depois, a minha paixão por Sally Hawkins, que não possuindo aquela beleza estereotipada de Hollywood, partiu o meu coração em filmes como "Uma Outra Educação", ou "Nunca me Deixes", ou "X + Y"; finalmente, as 13 nomeações para os Óscars, que o deixam logo num patamar ao nível de "E Tudo o Vento levou" ou "Quem Tem Medo de Virginia Wolf?".

Este "The Shape of Water" é, na sua essência, um simples romance. A história de Elisa Esposito (Sally Hawkins), empregada da limpeza num laboratório espacial americano, que se apaixona por um ser aquático, encarcerado para investigação. Os leitores destas páginas já sabem como eu adoro romances, só que também sabem como eu separo romances de romances. E este é um daqueles que há-de ficara colado à pele dos espectadores para o resto da vida, não como "Casablanca" (que esse é de outro planeta), mas certamente como "Titanic" ou "A Paixão de Shakespear", apenas como exemplo.

O que salta logo à vista é a forma como Guillermo del Toro trata a câmara, como se trabalhasse filigrana sensível, com pequenos zooms e travellers subtis, de tal forma que a plateia é sempre conduzida para o que realmente importa, levada pela mão numa viagem suave, como se estivesse num carro conduzido pelo mais competente motorista, daqueles que nos permitem ir no banco de trás a ler o jornal, sem solavancos, travagens bruscas ou curvas dinâmicas. Tudo isto servido de bandeja por um elenco de tal forma eficiente, que cada um só podia estar ali a fazer exactamente o que está a fazer.

"The Shape of Water" não renuncia a todas as referências que ele próprio mete à nossa frente, desde "A Família Adams" aos mais infantis contos de fadas, aqui com um erotismo de cortar a respiração. Guillermo del Toro gosta tanto de "O Monstro da Lagoa Negra" como de Fred Astaire, e nunca tem vergonha de assumir essa bipolaridade entre o brejeiro e o horroroso - a começar pela beleza colorida da criatura por quem Elisa se apaixona. Este é um filme saboroso: sabe bem quando se está a ver, sabe bem depois quando pensamos no que estivemos a ver e sabe bem no divertimento que provoca no espectador e que, vendo bem, é consequência do prazer que toda a equipa parece ter a faze-lo.

Vamos-nos deixar de esquisitices: este filme não é nada mais do que se pode ver à primeira vista, um romance, como já disse, só que um romance pintado de um colorido fascinante. Se o deixarem ser o que realmente é, transforma-se numa experiência única de prazer e divertimento. Guilhermo del Toro e a sua equipa, aos ombros do conjunto de actores que escolheu, cria um conto de fadas para adultos sobre comunicação, simpatia e amor incondicional. Está aqui tudo, de "Eduardo Mãos de Tesoura" a "A Bela e o Monstro". Vamos desfrutar dum momento de cinema único, fascinante e retemperador.